日常遺落的搖籃曲 Childs台北演唱會

本來應該要先介紹Childs是怎樣的樂團，而他們目前僅出過《Yui》不僅在中國、香港頗具知名度，專輯背後的故事也值得被介紹，但看表演完後的悸動總是隨著時間慢慢淡去，所以在介紹他們之前，先把這次表演的感動記錄下來。

昨天（六月十三號）小白兔2014本事現場在The Wall公館舉辦了今年的第一場表演，主角是來自墨西哥的Childs，雖然Childs是第一次來臺表演，但他們第一張專輯《Yui》在中國、台灣、香港都有一定程度的知名度。

表演的前一天在小白兔遇見Paul以及Childs的其他團員和經紀人，對他們和善的態度隨即產生好感，經紀人同時也說自己本身在墨西哥也有經營一家小小的唱片行，但更吸引我的事Paul著迷於書本的神情，甚至還拿起一本《SPARK》問說：「Is this for sale?」

這次開場團由最近剛發《類星體 Quasar》的2HRs開始搖籃曲的夜晚。2HRs的〈鬼島〉、〈星空閃爍〉、〈瞪鄉人〉等都聽了不下十遍，然而現場迷人的地方不只是看著凱凱的弓毛隨著他的身體起伏擺動而飄逸，〈瞪鄉人〉一曲的現場讓人共同處在一個不被金錢所構成的世界，在科幻卻真實的氛圍中細細咀嚼著「金錢可以買到乾淨的水？金錢可以買到森林嗎？」的字句，有一天河水不再清澈、森林砍伐殆盡，彼時的金錢可以買到什麼？即便在歌曲結束之後，仍是平心靜氣地沈澱一下子。

Childs以新專輯裡的歌最為表演的開場，旁白般的獨白在《Yui》最著名的幾首歌如〈Ian P〉、〈Mariana〉中都扮演了極為重要的角色，因為它不只是單純的引用，更像是歌曲存在的楔子和核心概念的詮釋。

試說今晚是Childs的新歌發表會一點也都不為過，本來九十分鐘的表演因為中間一些效果器的問題還有Childs的熱情，硬是加長到整整快兩個小時，新專輯裡的歌曲更加確立Childs將自己定位在「搖籃曲」這個面向，事先錄製好的口白搭配Paul模糊不清的西班牙文，悠長而朦朧的聲音想要將我們輕輕包覆，也許他們口中的Future Lullaby並不只是單純「未來式的搖籃曲」，電子在現代的少年少女中已經成為一個風潮，當Childs嘗試帶給搖籃曲新面貌的同時，他們的搖籃曲也不是只給嬰兒們聆聽，而是讓每一個孤獨、難以入睡的夜晚讓人能安穩入睡。

（Childs的新專輯似乎因為某些原因遲遲未發行，但大致上的架構、歌曲都已經具備。）

（附上SoundCloud的新歌〈Rada〉，雖然上傳時間都已經是兩年前了。）

A Winged Victory for the Sullen / Atomos VII

以前還不認識Kranky這個Ambient知名廠牌時，最先聽的兩個樂團一個是Godspeed You! Black Emperor，另一個就是A Winged Victory for the Sullen，但喜歡他們原因有很大一部份是因為他們第一張同名專輯《A Winged Victory for the Sullen》簡約的專輯封面，像是他們的團名，在潔淨的淡藍之中帶有最純粹的憂鬱。

今年四月底這張新的EP《Atomos VII》算是為新專輯《ATOMOS》做的開場白，也因為只是EP，這對來自義大利的雙人組合只有發行《Atomos VII》限量黑膠與數位兩種版本，對於沒有黑膠唱機的我無疑是一大打擊，只好透過Erased Tape線上購買數位版本（附上購買連結，數位又分成WAV跟MP3兩種版本）。

雖然說是預告之作，但專輯名稱卻和當代舞蹈大師Wayne McGregor的長篇舞蹈作品擁有相同的名字，即是《ATOMOS》。Wayne McGregor對於大眾可能是個陌生的名字，但他的作品卻是享譽國際，它不僅是Random Dance Company幕後的主導人物，同時也是英國Royal Ballet裡的主要編舞家，也是電影哈利波特《火盃的考驗》中的舞台總監，還替Radiohead〈Lotus Flower〉以及Atoms for Peace〈Ingenue〉兩支音樂影片編舞。

McGregor深受AWVFTS的同名專輯影響，更在舞蹈團隊練舞的過程中重複以此張專輯熏陶舞者，在舞者們的提議之下，McGregor主動聯繫Adam Bryanbaum Wilzie和Dustin O' Halloran（即是AWVFTS的兩位團員），McGregor和AWVFTS一拍即合（雖然AWVFTS剛開始得知自己的音樂被用在舞者的暖身之中，頗感詫異），隨即著手原子舞蹈計劃（Atomos即是「原子」之意），而Atomos的來由則是因為AWVFTS像是世界最初混沌虛無之時，逐漸融合而成的第一個生命，或者可以更切合專輯名稱——第一個構成萬物的起源。

Ben Frost也為這張專輯貢獻不少心力，因為McGregor過去的作品〈FAR〉便是出自於Ben Frost之手，這個〈FAR〉是McGregor與Random Dance舞團一個相當重要的長篇舞蹈作品。

這張EP中收錄了三首歌，第一首〈Atomos VII〉就像是新專輯《ATOMOS》的預告，因為他是節錄自新作品裡的一部份而變成歌曲；第二首〈Minuet for A Cheap Piano Number One〉對我而言才是整張EP裡的重頭戲，原因是在第一張同名專輯中，第四首歌曲〈Minuet for A Cheap Piano Number Two〉，也就是說這張專輯的可貴之處便是收藏了第一張專輯裡刻意拿掉的歌曲；而第三首〈Atomos VII (Greenhouse Reinterpretation)〉則是經由Ben Frost混音後重新詮釋的〈Atomos VII〉，整整比原來的歌曲多出了五分鐘的演繹，也在本來像是宇宙中的飄渺濃縮成一個森林裡無限的生機，嗡嗡的聲響像是夏天忽起忽落的蟬鳴，明明在周圍環繞許久，回過神想仔細尋找時，才驚覺那陣迴響已經蕩然無存。（附上SoundCloud全曲試聽）

Blackbird Blackbird / Tangerine Sky

Blackbird Blackbird新東西真是讓人等不得，上一張雖然陸陸續續有釋出幾首單曲，但手上也只有《Summer Heart》跟《Boracay Planet》可以一解擁有實體專輯的渴望，沒想到前些日子才聽到Blackbird Blackbird要發行新專輯，今天就有機會聽到。

先不論之前聽到Teen Daze曾在Twitter上如何說自己厭倦了電子科技的生活以及繁忙的事物，只想要逃離世俗的事物，讓自己保有一顆平靜的心，沒想到上個禮拜就聽到他和Caribou兩個人共同合作的新作品〈Can't Do Without You〉，又驚又喜之餘也希望Teen Daze繼續在Bandcamp上發表新的創作，畢竟上個月才將他所有作品一口氣都買下來。

Caribou這次跟Teen Daze合作的〈Can't Do Without You〉也確實為Caribou的音樂注入新的元素，以往的Caribou在電子民謠的曲風裡民謠的比重相較電子來得要多，但Teen Daze冷冽地扭曲Caribou的音樂，在I Can't Do Without You如此柔情的歌詞中帶有一絲帥氣，彷彿像是電影《The Prestige》中Alfred Borden不停地告訴妻子Sara Borden他深愛著她，但有太多魔術的秘密必須緊守於口，所以只好以微笑跟秘密帶過，這樣的神秘感令人又愛又恨。

在Caribou與Teen Daze合作帶給我的喜悅之中，今天又恰巧發現Blackbird Blackbird出現在這周的Bandcamp Weekly上，才赫然發現他已經將新專輯《Tangerine Sky》完整的公佈於Bandcamp並且開放購買。

之前看到他在Soundcloud公佈〈Tangerine Sky〉、〈Star Faces〉時，看到專輯封面的那刻有種詫異感，畢竟相較之前的專輯，無論是《Summer Heart》、《Boracay Planet》或是其他張專輯封面（但《Erasers》感覺也是個例外），都很少出現這種獵奇、違和，甚至還帶有黑暗的刺激，但不難發現張封面其實是個以中間做鏡射的圖形，然而只看一半卻又無法完成視覺層面的和諧感，這多多少少也象徵Blackbird Blackbird在各種音效中精準的掌握程度，讓人覺得多一分少一毫改變都不允許出現在這裡。

不過《Tangerine Sky - Single》單曲封面很容易就可以解讀，按照字面上的意思就是橘色的天空，更加精確地描述即是「晚霞」之意，而新專輯也保有Blackbird Blackbird特有的溫暖，如果說Teen Daze是加拿大冷冽的冰河、Tycho是靜謐而富有生機的森林，Blackbird Blackbird則是溫潤而美好的水流。

這張《Tangerine Sky》也帶有各式各樣的元素，它擁有Shozgaze的甜美與複雜，但同時又蘊藏著Dream Pop的美好幻想，Blackbird Blackbird帶給聽者的是一個可以觸及的夢，就像晚霞的美麗是人人可以擁有的，不會因為你的身份、年齡而有所異同，專輯裡的〈There is Nowhere〉則可以很清楚聽見沒有以往過度改造的人聲，而是徐徐唱出藍調的惆悵與沈寂，使我們在接近Blackbird Blackbird的內心世界時，又變得不是那麼的瞭解他，每個人都有各自的憂愁，但我們看的是同一片光暈。（附上〈There is Nowhere (Official Video)〉以及官方整張專輯試聽）

Eastlink / Eastlink

Eastlink其實是一條位在澳洲墨爾本的高速公路，而來自澳洲四位吉他手藉由這個名字組成了以迷幻噪音的Eastlink樂團，但事實上他也帶有一些小小的實驗性質，像專輯裡的第三首〈Dinnerchat〉層層堆疊的吉他，無縫接軌到第四首〈Eastie Shit〉，像是儀式般地不停聽著循環而漸增的旋律走下去，跟Swans的新專輯《To Be Kind》裡的〈Screen Shot〉頗有異曲同工之妙。

但就像是Eastlink是澳洲的分界點一樣，Eastlink的第一首〈What a Silly Day(Australia Day)〉和第二首〈Gina〉與後面的歌曲是完全不同的風格，可以想像本來還在舞台上蠻不在乎、帶著一點醉意的人，突然像是被靈體附身，集體專注地投入在聲音堆疊上，就像是在高速公路奔馳的卡車，沿途風景看似相同，卻又一點一點的變化，無止盡朝著找不到的終點奔馳。

在澳洲頗負盛名的他們，把它們重複重複而累堆的音符當作攻擊的武器，不斷地拉扯且佔據耳道，無論聽起來是經過一片荒野，又或者穿越隧道時的回聲躁動，有一點是真實的，因為Eastlink所以你紮實地站在底表上，不曾遠離。

Piana / Muse

原名Naoko Sasaki（佐佐木直子）的日本音樂人Piana，在歷經七年的沈寂與休息，終於在今年五月的時候發行新專輯《Muse》，其中因為2011年日本經歷311東日本大地震，使得Piana兒時家鄉岩手縣受到慘烈衝擊，對於Piana而言想必十分難受。

《Snow Bird》注重聲音的結構與創造，將文詞的部分在這之後慢慢填入，然而第二張專輯《Ephemeral》卻是先依賴詩詞營造情境，進而使用多種樂器讓氛圍溢於其外，也許Piana想像喚起的是逝去的童年時光。

七年的沈澱可以帶來多大的變化？時間永遠是生命本質最好的檢驗，有哪些被留下而哪些被改變顯而易見，但Piana似乎仍是原本的那個她，即便無從得知她是否走出三年前的傷痛，也不知道這段期間她經歷過什麼，但能確定的是她回來了。

《Muse》像是Piana對於生活、天災人禍、一切事物的反思與對話，擅長多種樂器的她，以鋼琴作為繆思的開場白，〈I Think...〉娓娓道來Piana在漫長的日子經歷了什麼樣的改變而讓他的想法有所不同，寂寥而清脆的琴聲，像是一個人站在月台等待著再也回不來的人事物。

〈Ruins〉很明顯地傳達了地震所帶來的破壞，先用微弱而連續的電子訊號象徵災情時探測器、電話以及各式各樣電子儀器的運作，諷刺地卻透露出人煙杳然的事實，城市鄉村只剩下斷壁殘垣，隨著Piana聲音的出現以及重音節奏的加入，合成器製造出略微爆裂的聲響，地震時的慘痛過往又歷歷在目地呈現在眼前，世界剩下的只有哀慟。

整張專輯可以從曲目〈Nostalgia〉、〈Ruin〉、〈7 Years〉等察覺這是Piana對於這段休息、震災期間的抒發，我們雖然回不到過去，但改變就是曾經存在的最好證明，即將邁入四字頭的Piana將保有一顆更細緻的心細細地記錄與思考周遭的變化。

〈In Silence〉 Official Music Video

Klaus Johann Grobe / Im Sinne der Zeit

Klaus Johann Grobe是一個來自瑞士的雙人泡菜樂團，由Sevi Landolt負責管風琴與合成器，而鼓與和聲則是由搭檔Daniel Bachmann負責，以德語貫徹整張專輯，甚至可以在專輯中感受到濃厚的放克爵士與靈魂樂風格，然而他們卻是誤打誤撞的開始玩起了泡菜搖滾。

很早就一起玩團的Landolt與Bachmann，曾經橫跨各式曲風，中間由於兩人隔兩地便許久才見面一次，直到2011年兩人重聚才又重新啟動新的音樂計劃，2014年在Trouble in Mind發行了這張《Im Sinne der Zeit》。

九零年代的歐洲Trip Hop對他們的影響尤其遠大，那時沒有Vocal的他們就像是少了主唱的Massive Attack，同時他們也深受Kare & Cavemen合組的Euroboys影響。

專輯中〈Regen Raus〉聽起來像是要嘗試帶出中南美洲巴西的異國情調，然而這也是Klaus Johann Grobe在製作歌曲時一連串的巧合，透過管風琴結合電子碎拍，像是開水煮沸發出的嗚嗚鳴聲，就像是一群沒去過巴西的男孩試圖創造出他們印象中熱情的中南美洲風情。

《Im Sinne der Zeit》在德文中的意思是「時間中的意義」，而專輯封面其實是有一次Landolt帶女朋友回家過節，意外發現父母年輕時期的照片，而照片中正是兩個人擁抱夾球的趣味競賽，Landolt當下就直覺認為這應該當作專輯封面，便邀請好友Bachmann一起拍攝，也象徵愛情之中的甜蜜與趣味。

雖然整張專輯是以德文描述一些生活中的小瑣事、愛情、生命中的掙扎等等，德文略帶粗糙喉音令人感到似懂非懂，但背後爵士個性的管風琴就默默地像馬蹄聲引導人們進入情感深處。